بودكاست التاريخ

جزء ملون لامرأة طيبة

جزء ملون لامرأة طيبة



We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.


ولدت ماري ستيفنسون كاسات في 22 مايو 1844 في مدينة أليغيني بولاية بنسلفانيا. كانت كاسات ابنة سمسار عقارات واستثمار ثري ، وقد عكست نشأتها مكانة عائلتها ورؤيتها الاجتماعية العالية. لقد أعدتها تعليمها لتكون زوجة وأمًا صالحة وشمل فصولًا مثل التدبير المنزلي والتطريز والموسيقى والرسم والرسم. خلال خمسينيات القرن التاسع عشر ، أخذ الكاسات أطفالهم إلى الخارج للعيش في أوروبا لعدة سنوات.

على الرغم من عدم تشجيع النساء في عصرها على ممارسة مهنة ، إلا أن كاسات التحقت بأكاديمية فيلادلفيا وأبوس بنسلفانيا للفنون الجميلة في سن 16 عامًا. ليس من المستغرب أن تجد أعضاء هيئة التدريس الذكور وزملائها الطلاب مستاءين من حضورها. كما أصيب كاسات بالإحباط بسبب المنهج الدراسي وخطورة بطيئة وعروض الدورات التدريبية غير الكافية. قررت ترك البرنامج والانتقال إلى أوروبا حيث يمكنها دراسة أعمال الماجستير القديمة بمفردها.

على الرغم من اعتراضات عائلتها القوية (أعلن والدها أنه يفضل أن يرى ابنته ميتة على العيش في الخارج كـ & quotbohemian & quot) ، غادرت كاسات إلى باريس في عام 1866. بدأت دراستها بدروس فنية خاصة في متحف اللوفر ، حيث كانت تدرس وتنسخ الروائع . واصلت الدراسة والرسم في غموض نسبي حتى عام 1868 ، عندما تم اختيار إحدى صورها في صالون باريس المرموق ، وهو معرض سنوي تديره الحكومة الفرنسية. مع ترديد كلمات والدها ورفضها في أذنيها ، قدمت كاسات اللوحة التي تم استقبالها جيدًا تحت اسم ماري ستيفنسون.


فنسنت فان جوخ للدهانات

بين نوفمبر 1881 ويوليو 1890 رسم فينسنت فان جوخ ما يقرب من 900 لوحة. منذ وفاته أصبح من أشهر الرسامين في العالم. استحوذت لوحات فان جوخ على عقول وقلوب الملايين من عشاق الفن وجعلت عشاق الفن من أولئك الجدد في عالم الفن. المقتطفات التالية مأخوذة من رسائل كتبها فان جوخ تعبر عن كيفية تطوره كرسام. هناك أيضًا روابط لصفحات تصف بعضًا من أشهر لوحات فنسنت فان جوخ ، Starry Night ، Sunflowers ، Irises ، Poppies ، The Bedroom ، Blossoming Almond Tree ، The Mulberry Tree ، The Night Café و The Potato Eaters ، بتفاصيل رائعة.

في ديسمبر من عام 1881 ، في سن ال 28 عندما بدأ لوحاته الأولى ، كتب فينسنت إلى أخيه ثيو عن أن يصبح رسامًا ،

"ثيو ، أنا سعيد جدًا بصندوق التلوين الخاص بي ، وأعتقد أنني حصلت عليه الآن ، بعد أن رسمت بشكل حصري تقريبًا لمدة عام على الأقل ، أفضل مما لو كنت قد بدأت به على الفور ... بالنسبة إلى ثيو ، برسم مسيرتي الحقيقية يبدأ. ألا تعتقد أنني محق في اعتبار الأمر كذلك؟ "

عمل فان جوخ بوتيرة محمومة يكلفه المال ، مما تسبب له في إجهاد عقلي وجسدي ولم يترك له أي وقت لأي مصدر آخر للدخل. لكنه كان مثابرا. في رسالة من مارس عام 1882 ، كتب فان جوخ مرة أخرى إلى شقيقه ثيو ،

"على الرغم من أنني أجد نفسي أعاني من صعوبات مالية ، إلا أنني أشعر مع ذلك بأنه لا يوجد شيء أقوى من" الحرف اليدوية "بالمعنى الحرفي للعمل بأيدي المرء. إذا أصبحت رسامًا ، فإن أحد الأشياء التي ستفاجئك هو أن الرسم وكل ما يرتبط به هو عمل شاق من الناحية المادية. وبغض النظر عن الجهد العقلي ، والتفكير الجاد ، فإنه يتطلب مجهودًا بدنيًا كبيرًا ، ويومًا بعد يوم ".

في الرسالة نفسها إلى ثيو من عام 1882 ، كتب فان جوخ ،

"هناك طريقتان للتفكير في الرسم ، وكيفية عدم القيام بذلك وكيفية القيام به: كيفية القيام بذلك - مع الكثير من الرسم واللون القليل كيف لا تفعل ذلك - مع الكثير من الألوان والرسم القليل."

تمت مراجعة اللوحة الأكثر شهرة لفان جوخ بالإضافة إلى Starry Night Over the Rhone و The Café Terrace في Place du Forum ، Arles ، في الليل.

يعتقد فان جوخ اعتقادًا راسخًا أنه لكي تكون رسامًا رائعًا ، عليك أولاً إتقان الرسم قبل إضافة اللون. على مر السنين ، أتقن فان جوخ الرسم بشكل واضح وبدأ في استخدام المزيد من الألوان. بمرور الوقت ، أصبح أحد الجوانب الأكثر شهرة في لوحات فان جوخ هو استخدامه الجريء للألوان. يتضح هذا في كل من المناظر الطبيعية لفان جوخ ولوحاته التي لا تزال حية

قبل حوالي عام من وفاته ، تنبأ فان جوخ بأنه سيكون هناك "رسام عظيم في المستقبل" يعرف كيفية استخدام الألوان مثل أي شخص آخر وسيصبح مستقبل الرسم. وقد عبر عن ذلك في رسالة إلى أخيه ثيو في مايو 1888 ،

"بالنسبة لي ، سأستمر في العمل ، وهنا وهناك شيء من أعمالي سيثبت قيمة دائمة - ولكن من الذي سيحققه للرسم على شكل ما حققه كلود مونيه للمناظر الطبيعية؟ ومع ذلك ، يجب أن تشعر ، كما أفعل ، أن هناك شخصًا كهذا في الطريق - رودين؟ - لا يستخدم اللون - لن يكون هو. لكن رسام المستقبل سيكون رسام تلوين لم يسبق له مثيل من قبل.

مجموعة الحياة الساكنة الشهيرة لفنسنت فان جوخ مفصلة هنا ..

لكنني متأكد من أنني محق في الاعتقاد بأن ذلك سيأتي في جيل لاحق ، والأمر متروك لنا لفعل كل ما في وسعنا لتشجيعه ، دون سؤال أو شكوى ".

خلال حياته ، لم يكن فان جوخ مشهورًا كرسام و كافح لكسب لقمة العيش كفنان. باع فان جوخ لوحة واحدة فقط خلال حياته The Red Vineyard. بيعت هذه اللوحة في بروكسل مقابل 400 فرنك قبل أشهر قليلة من وفاته.

توفي فينسينت فان جوخ عن عمر يناهز 37 عامًا ، وبذلك انتهت مسيرته الفنية كرسام ، لكنه بدأ إرثه كرسام المستقبل العظيم الذي ألهم العالم.

بعد حوالي أسبوع من وفاته ، كتب ثيو شقيق فان جوخ إلى أخته إليزابيث حول إرث فان جوخ كفنان عظيم ،

"في الرسالة الأخيرة التي كتبها لي والتي يرجع تاريخها إلى أربعة أيام قبل وفاته ، تقول ،" أحاول أن أفعل مثل بعض الرسامين الذين أحببتهم وأعجبهم كثيرًا. " يجب أن يدرك الناس أنه كان فنانًا عظيمًا ، وهو أمر يتزامن غالبًا مع كونه إنسانًا عظيمًا. مع مرور الوقت سيتم الاعتراف بذلك بالتأكيد ، وسوف يندم الكثيرون على وفاته المبكرة ".

توفي فينسينت فان جوخ عن عمر يناهز 37 عامًا ، وبذلك انتهت مسيرته الفنية كرسام ، لكنه بدأ إرثه كرسام المستقبل العظيم الذي ألهم العالم. واليوم لا يزال لغزا آخر ما كانت عليه لوحة فان جوخ قبل وفاته. اكتشف المزيد حول اللوحات التي من بين أعماله النهائية التي قد تكون اللوحة الأخيرة لفنسنت فان جوخ.


حادث فريدا كاهلو وابوس

في 17 سبتمبر 1925 ، كان كاهلو وأليخاندرو جي & # xF3mez أرياس ، صديقة المدرسة التي كانت متورطة معها عاطفياً ، يسافران معًا في حافلة عندما اصطدمت السيارة بعربة ترام. نتيجة الاصطدام ، تعرضت كاهلو للتخوزق بواسطة درابزين فولاذي دخل في وركها وخرج من الجانب الآخر. وأصيبت بعدة إصابات خطيرة نتيجة لذلك ، بما في ذلك كسور في عمودها الفقري وحوضها.

بعد أن مكث في مستشفى الصليب الأحمر في مكسيكو سيتي لعدة أسابيع ، عاد كاهلو إلى منزله ليتعافى أكثر. بدأت في الرسم أثناء تعافيها وأنهت أول صورة ذاتية لها في العام التالي ، والتي أعطتها لـ G & # xF3mez Arias.


تحليل Les Demoiselles d'Avignon بواسطة Picasso

كان بيكاسو - غالبًا ما يكون بين قوسين مع مارسيل دوشامب (1887-1968) وماتيس (1869-1954) ، كأحد أكثر الفنانين المعاصرين تأثيرًا - كان مبتكرًا لا يهدأ وكان أعظم إنجاز له هو الاختراع المشترك (مع جورج براك) لـ & quotCubism & quot - طريقة ثورية لتمثيل الواقع في لوحة. في ابتكار هذا المصطلح الجديد & quotCubist & quot ، رفض بيكاسو الطريقة التقليدية للرسم التي تتضمن خلق وهم صورة ثلاثية الأبعاد. بدلاً من ذلك ، أكد على الطبيعة المسطحة ثنائية الأبعاد للصورة ، وتجنب استخدام التقنيات التقليدية - مثل المنظور الخطي والتقصير المسبق ، وكذلك تشياروسكورو والنمذجة. باستخدام طريقة الرسم & quotCubist & quot ، قام بيكاسو وغيره من الرسامين التكعيبيين بتفكيك الأشخاص والأشياء في "لقطات" مسطحة (مناظر للشخص / الكائن) ثم قاموا بوضعها في سلسلة من الطائرات المتداخلة الشفافة / غير الشفافة. سمح ذلك برؤية الكائن من عدة وجهات نظر (ربما يحدث في أوقات مختلفة) ، بدلاً من وجهة نظر واحدة فقط (في وقت واحد معين).

بالطبع لم يخترع بيكاسو وبراك هذه & quotCubism & quot الجديدة بين عشية وضحاها. تضمنت عملية تجريبية تدريجية شغلت كلا الفنانين (بشكل مستقل في البداية) خلال الفترة 1908-10.

لكن Les Demoiselles d'Avignon (1907) يُنظر إليه تقليديًا على أنه محور بيكاسو الخطوة الأولى نحو الأسلوب التكعيبي الجديد ، وهي خطوة جعلته قائدًا للفن الطليعي في باريس. استعدادًا لذلك ، قام بيكاسو بعمل مئات الرسومات والدراسات التحضيرية الأخرى ، بما في ذلك الرسم بالفحم نو aux حمالات الصدر ليف (1907) و رأس امرأة نائمة (دراسة للعراة مع الأقمشة) (1907 ، متحف الفن الحديث ، نيويورك). ومن الجدير بالذكر أيضًا أنه تم رسمه في نهاية فترة & quotNegro & quot ، عندما تأثر بشدة بالنقوش البدائية ، ولا سيما النحت الأفريقي المعروض في ذلك الوقت في المتحف الإثنوغرافي في باريس. ونتيجة لذلك ، فإنه يتميز ببعض السمات والصور المجسمة المزعجة. (ملاحظة: التأثيرات المهمة الأخرى على بيكاسو ، فيما يتعلق بهذه اللوحة بالذات ، كانت أعمال سيزان (1839-1906) وبول غوغان (1848-1903). .

تفسير Les Demoiselles d'Avignon

التركيبة الضخمة (حوالي 8 أقدام × 8 أقدام و 244 × 233 سم) ، والتي من شأنها أن تملأ كامل جدار الاستوديو الضيق الخاص به في مبنى باتو لافوار في مونمارتر ، هي لوحة شخصية لمشهد في بيت دعارة. (ملاحظة: العنوان ومثلLes Demoiselles d'Avignon& quot؛ كان اقتراحًا مرحًا للشاعر والناقد الفني أندريه سالمون (1881-1969) ، الذي ادعى وجود تشابه بين شخصيات بيكاسو والبغايا في Carrer d'Avinyo - شارع Avignon - في برشلونة. أشار إليها بيكاسو نفسه باسم & quotmy بيت دعارة & quot.) تقدم لنا اللوحة فسيفساء غير مريحة من شظايا زاويّة ومتداخلة لخمس نساء عاريات ، اثنتان منهن على الأقل تحدقان بشكل استفزازي في المشاهد. تتحد ميزاته & quotCubist & quot بقوة مع أشكاله العنيفة والأقنعة الحيوانية لصدمة وتحدي المشاهد.

الصورة مثل لقطة سينمائية عن قرب. كانت النساء الخمس - التي يزيد ارتفاع كل واحدة منها عن سبعة أقدام - حاضرات بشكل مثير للصدمة ، وهن يضغطن على سطح الصورة. لون لحمهم يجعلهم يبدون عراة بشكل صارخ وليس مجرد عراة. والطريقة التي يتم بها تجميع الأرقام مدهشة أيضًا: يبدو أنه لا توجد علاقة بينها ، مما يزيد من دراما الصورة وكذلك عدم اليقين فيها. المرأتان المركزيتان ، على وجه الخصوص ، استفزازية بشكل خاص: إنهما تحدقان في المشاهد دون تعبير ، بينما ترفعان ذراعيهما لإظهار صدورهما. هؤلاء النساء - جميعهن يتباهين بقوة بعُريهن - هن عاهرات حقيقيات دون توقف حول ما يقدمن. رأس أحد الأشكال (أعلى اليمين) مغطى بقناع بدائي بينما الشكل الثاني ، القرفصاء (أسفل اليمين) مقنع أيضًا ، على الرغم من أن وجهها يتكون من مناظر متعددة ، مثل بانوراما مرتبة بشكل سيء.

تتضمن خصائصه & quotCubist & quot استخدام بيكاسو للصور المسطحة والمتقطعة ، جنبًا إلى جنب مع أنماط الضوء والظلام (على عكس الأحجام المستديرة) ، من أجل خلق إحساس بالمساحة والشكل. يتكون الشكل المفلطح (أسفل اليمين) من مجموعة من وجهات النظر المختلفة لنفسها ، بينما تم تصوير الأشكال الأخرى في شكل هندسي مسطح ، مع الحد الأدنى من الأبعاد الثلاثية. إن المكونات التصويرية الحادة التي تشبه القشرة تقريبًا تضفي عليها إحساسًا مقلقًا بالعنف والقوة الجنسية.

النقطة الرئيسية ل Les Demoiselles d'Avignon هو تحدي افتراضات المشاهد الطبيعية. العراة الهائلة المتطفلة ، وغياب المنظور ، والطبيعة المنفصلة للمجموعة ، والتجاور بين الوجوه العادية مع الوجوه المقنعة ، وحقيقة أنه يبدو أن الخمسة جميعًا قد تم توقيفهم في الوقت المناسب: كل هذا ساهم في فوضى متغيرة الشكل والشعور بالصور. فوضى سياسية. حتى اللوحة الصغيرة للفاكهة (الوسط السفلي) ، وهي أول إشارة إلى اهتمام بيكاسو بالرسم الذي لا يزال قائماً ، يبدو أنها تتساقط من جزء مقلوب من وعاء. كانت الصورة عملاً ثوريًا ضد استبداد فن عصر النهضة ، الذي كان لا بد من التخلص من مبادئه الحاكمة للمنظور والتظليل واللون والتكوين من أجل الدخول في طرق جديدة لتمثيل الواقع. مهد العمل الطريق لانفجار الفن التجريدي - بدءًا من التكعيبية التحليلية لبيكاسو (حوالي 1909-12) والتكعيبية الاصطناعية (1912-14) - وبلغت ذروتها في حركات فنية تجريدية أكثر صرامة مثل التفوق الروسي (حوالي 1913- 18) و Dutch De Stijl (1917-1931).

Les Demoiselles d'Avignon كانت النتيجة النهائية لفترة ركز خلالها بيكاسو بشدة على تحليل الشكل وتبسيطه. بالملل والإحباط من النظرية التقليدية للفن كتقليد للطبيعة - وهي مهمة تتقنها الانطباعية بشكل فعال - توصل إلى نوع من `` التعبيرية الفكرية '' التي من شأنها أن تسمح للرسامين بتصوير واقع جديد قائم على مستوى الصورة ثنائية الأبعاد. لماذا اختار بيكاسو مثل هذا الموضوع الصريح الصادم لأسلوبه الجديد للفن الحديث ، لا يزال غير واضح. ومع ذلك ، فمن المعروف أنه يؤمن بقوة الفن & quot؛ الاسترداد & quot؛ في & quot؛ اقتباس & quot العناصر السلبية ، لذلك ربما كان يعتقد أن مثل هذا العمل قد يساعد في مكافحة الدعارة والأمراض الجنسية.

خضع العمل لتغييرات كبيرة خلال الأشهر الخمسة أو نحو ذلك من الحمل. بادئ ذي بدء ، كانت هناك سبع شخصيات: خمس نساء بالإضافة إلى (على اليسار) رجل واقف يسحب الستارة إلى الخلف ، وكذلك (جالسًا في المنتصف) بحار. ثم قام بيكاسو بمسح الرجل الواقف ، واستبدله بإحدى النساء. بعد ذلك بوقت قصير قام بإزالة البحار. كما زاد من الشعور بالعدوانية في الصورة ، وأضاف القناعين.

تم عرضها في البداية فقط على حفنة من الأصدقاء - بما في ذلك جورج براك ، والناقد فيليكس فينيون (1861-1944) ، وأندريه ديرين (1880-1954) ، وغيوم أبولينير (1880-1918) ، وتاجر بيكاسو دانييل كانويللر (1884-1979) ، و جامع التحف الروسي سيرجي شتشوكين (1854-1936) وماتيس (1869-1954) - تعرضت اللوحة لانتقادات شديدة لدرجة أن بيكاسو قرر عدم عرضها لما يقرب من عقد من الزمان. في عام 1916 ، تم عرض اللوحة في صالون دانتين، في معرض بعنوان "الفن الحديث في فرنسا". أطلق عليه بيكاسو اسم "Le Bordel d'Avignon" لكن أندريه سالمون ، منظم العرض ، أطلق عليه اسمًا غير ضار "Les Demoiselles d'Avignon(السيدات الشابات في أفينيون). بعد ذلك ، بقيت اللوحة مع منشئها حتى عام 1924 ، عندما بيعت للمصمم جاك دوسيه (1853 & # 1501929) ، مقابل 25000 فرنك. تم الاتفاق على هذا السعر المنخفض بشكل مصطنع - حصل Doucet على تقييم بقيمة 250.000 فرنك بعد بضعة أشهر من الشراء - بعد أن وعد Doucet بترك الصورة إلى متحف اللوفر. في أي مناسبة، Les Demoiselles d'Avignon لم يُشاهد علنًا مرة أخرى حتى عام 1938 ، عندما تم شراؤها من قبل متحف الفن الحديث في نيويورك.

شرح لوحات أخرى لبيكاسو

& # 149 لا في (الحياة) (1903)
تكريم بيكاسو المؤثر لصديقه كارلوس كاساجيماس.

& # 149 فتى مع أنبوب (Garcon & Agrave la Pipe) (1905)
صورة فترة الورود التي بيعت مقابل 104 مليون دولار في عام 2004.

& # 149 صورة لجيرترود شتاين (1906)
الرسم المبكر لجامع الفن الباريسي.

& # 149 امرأة جالسة (بيكاسو) (1920) متحف بيكاسو ، باريس.
نسخة حديثة رائعة من الطراز العتيق القياسي.

& # 149 لارج باذر (1921) متحف أورانجيري ، باريس.
مستوحاة مباشرة من النحت الكلاسيكي الأثيني العالي من البارثينون.

& # 149 امرأتان تجريان على الشاطئ (السباق) (1922) متحف بيكاسو ، باريس.
صورة نيوكلاسيكية تظهر شخصيات أسطورية ديونيسيان.

& # 149 امرأة باللون الأبيض (1923)
من الفترة الكلاسيكية الجديدة لبيكاسو.

& # 149 البكاء (1937)
متابعة أكثر عمومية ل غيرنيكا حول موضوع المعاناة في الحرب.


أشغال كبرى

منذ أن تم تدريبها من قبل والدها ، كان هناك بعض الجدل حول من قام بالفعل برسم بعض القطع السابقة بواسطة Gentileschi. يعد العمل & quotMadonna and Child & quot أحد هذه الأعمال التي نُسبت أحيانًا إلى Artemisia ، وأحيانًا إلى والدها. & # xA0 Gentileschi & aposs أول لوحة موقعة ومؤرخة كانت & quot لسوزانا والحكماء ، & quot في حوالي عام 1610. مأخوذة من الكتاب المقدس ، سوزانا هي امرأة تعذبها اثنان من كبار السن اتهماها زوراً بالزنا بعد أن رفضت عمل Gentileschi & aposs وتمكنت من نقل هذا الصراع بطريقة حية وواقعية.

تركز بعض اللوحات الباقية على قيد الحياة من Gentileschi و aposs على بطلة رواية. ظهرت قصة جوديث عدة مرات في فنها. حوالي عام 1611 ، أكملت & # xA0Gentileschi & quot ؛ جوديث سلايينج هولوفرنيس ، & quot التي تصور جوديث في فعل إنقاذ الشعب اليهودي بقتل الجنرال الآشوري هولوفرنيس ، تُظهر اللوحة لقطة مقرّبة لهذا المشهد الوحشي & # x2014 جوديث تقطع هولوفرنيس وحلقها بينما تساعد خادمتها في الإمساك بها. عليه. بعد فترة وجيزة من الانتهاء من هذا العمل (حوالي عام 1613) ، رسم Gentileschi & quot ؛ جوديث وخادمتها ، & quot ؛ مما يُظهر الزوج بعد وفاة Holofernes & aposs ، مع الخادمة التي تحمل سلة تحتوي على رأسه المقطوع.

في عام 1625 ، أعاد Gentileschi النظر مرة أخرى في قصة جوديث وأبوس في اللوحة & quot ؛ جوديث وخادمةها ومع رئيس Holofernes & quot ؛ ينقل هذا العمل إحساسًا بالخطر والغموض من خلال استخدامه للضوء والظل ، ويظهر جوديث وخادمتها يحاولان الفرار من خيمة Holofernes & Aposs مع رأسه المقطوع. كما تناول Gentileschi شخصيات أخرى معروفة من التاريخ والأساطير من خلال أعمال مثل & quotMinerva & quot (1615) و & quotCleopatra & quot (1621-22).


آن كارسون

آن كارسون شاعرة وكاتبة مقالات وأستاذة في الكلاسيكيات ومترجمة. & ldquo في العالم الصغير للأشخاص الذين يواكبون الشعر المعاصر & rdquo كتب دافني ميركين في مراجعة كتاب نيويورك تايمز، قامت كارسون و ldquo بقطع رقعة كبيرة ، مما أثار الحسد والإعجاب. & rdquo حصلت كارسون على جوائز نقدية وقراء واسعين على مدار حياتها المهنية في مجال النشر. بالإضافة إلى ترجماتها العديدة التي حظيت بتقدير كبير لكتاب كلاسيكيين مثل Sappho و Euripides ، وترجمتها بالثلاثي أن Oresteia (2009) ، نشرت قصائد ، مقالات ، كتابات ، نقد نثري ، وروايات شعرية غالبًا ما تتعدى الأنواع الأدبية. اشتهرت بقدراتها الاستيعابية الفائقة و mdashMerkin دعاها & ldquoone من pasticheurs العظماء & rdquo & mdashher الشعر يمكن أيضًا أن يكون مفجعًا وهي تكتب بانتظام عن الحب والرغبة والشوق الجنسي واليأس. دائما ما تكون شاعرة طموحة مهما كان موضوعها أو نوعها ، كتبت ميركين عن كارسون و رسكووس جمال الزوج، & ldquo لا أعتقد أن هناك كتابًا موجودًا منذ Robert Lowell & rsquos دراسات الحياة التي طورت فن الشعر بشكل جذري كما هو الحال مع آن كارسون. & rdquo تشمل المجموعات الأخيرة كارسون و rsquos نوكس (2010), وثيقة حمراء و GT (2013) و تطفو (2016). تكريمها وجوائزها كثيرة ، بما في ذلك الزمالات من مؤسسة غوغنهايم ومؤسسة ماك آرثر والأكاديمية الأمريكية في برلين. كما حصلت على جائزة Lannan الأدبية ، وجائزة Pushcart ، وجائزة Griffin Poetry.

ولدت كارسون في تورنتو ، أونتاريو عام 1950. أدى لقاء في المدرسة الثانوية مع مدرس لاتيني ، وافق على تعليمها اليونانية القديمة خلال ساعة الغداء ، إلى احتضانها العاطفي للأدب الكلاسيكي واليوناني ، وهو ما لا يزال يميز عملها. التحقت كارسون بجامعة تورنتو ، على الرغم من أنها تركت الدراسة مرتين قبل أن تحصل على درجة البكالوريوس والماجستير والدكتوراه في الكلاسيكيات. درّس كارسون في العديد من الجامعات في كل من الولايات المتحدة وكندا ، بما في ذلك جامعة ماكجيل وجامعة ميشيغان. بدأت مسيرتها في النشر مع إيروس الحلو المر: مقال (1986), التي أسست أيضًا أسلوب كارسون ورسكووس في نمذجة كتاباتها بعد الأدب اليوناني الكلاسيكي. مثل هذه الأعمال الزجاج والسخرية والله (1992), Plainwater: مقالات وشعر (1995) و رجال في غير أوقات الدوام (2001) ساعد في ختم المؤلف و rsquos بسمعة فريدة بين الشعراء المعاصرين. ولكن ربما تكون أكثر الأمثلة التي تم تلقيها على نطاق واسع عن تخصصها الخاص هي روايات كارسون ورسكووس الشعرية ، السيرة الذاتية للأحمر: رواية في الآية (1998) و جمال الزوج: مقال خيالي في 29 Tangos (2001).

السيرة الذاتية للأحمر (1998) أخذ إشارة من أسطورة Hercules & mdashHerakles في التهجئة التقليدية من الحكاية بواسطة Steischoros & mdash الذي كان العمل العاشر هو قتل الوحش ذي الأجنحة الحمراء Geryon. بإعادة صياغة القصة في العصر الحديث ، تتخذ كارسون بعض الخيارات المهمة. & ldquo في Steischoros ، قتل هيراكليس جيريون وسرق ماشيته الحمراء ، وشرح آدم كيرش في جمهورية جديدة. & ldquo في كارسون ، يكسر هيراكليس قلب Geryon & rsquos ويسرق براءته. & rdquo تم تقديم الشخصيتين كمراهقين ، Geryon (ما زال أحمر وأجنحة رياضية) صبي مدرسة ثانوية محمي وحساس وهيراكليس مثير ومتمرد. يبدأ الاثنان علاقة تنتهي بـ & ldquo لا يمكن أن يتطابق Herakles مع كلية تمزق الروح لعشق Geryon & rsquos ، & rdquo مراجعة شيكاغو ووصف المساهم مارك هاليداي ذلك. بعد سنوات ، التقى الشخصان في بوينس آيرس حيث وقع جيريون في معركة مدمرة مع هرقل وصديقه الجديد أنكاش. أثار الكتاب ردود فعل قوية في العديد من الدوريات. شعر هاليداي أن الكتاب كان & ldquowillly غريب الأطوار وغريبًا بشكل مبهج. & rdquo أمة تحدث الناقد بروس هينلي عن كارسون ودكوا فيلسوف حسرة القلب وقال إن قصيدتها الملحمية كتبت لكتاب لامع عن الرغبة والشاعر اليوناني القديم ستيشوروس والبراكين والوحشية المبهجة للرؤية والعمى rdquo صدى النقاشات التي تستمر في الدوران حول كارسون و rsquos- مثل الشعر ، تساءل كيرش عما إذا كان كارسون قد أنتج بالفعل الشعر الموعود به في الكتاب والعنوان الفرعي rsquos. "من الواضح أن الكتابة نثر ،" لقد حافظ عليها ، وخرجت في سطور طويلة وقصيرة بالتناوب ، دون صرامة في القياس أو الإيقاع ، يكون التقسيم بين السطر الطويل والخط القصير مطبعيًا فقط ، أو نحويًا في أحسن الأحوال.

استمرت حكاية كارسون ورسكووس في كسب إيماءات من لجان الجوائز السيرة الذاتية للأحمر & ldquodid لا تبدأ فائزًا ، ووفقًا لـ تايم انترناشيونال المراسل كاثرين جوفير. & ldquo تم نشرها لإشعار ضئيل. . . كان يتحدث عنها بشكل رئيسي الكتاب هنا وهناك. أصبح الحديث ضجيجًا عندما فاز الكتاب بجائزة كيبيك ورسكووس QSPELL للشعر. ومن هناك استمر المجلد في الفوز بترشيح دائرة نقاد الكتاب الوطنيين ، مما جعل كارسون المولود في كندا أحد أول شخصين غير أمريكيين يظهران في القائمة المختصرة لـ Circle & rsquos. مثل هذه الكلمات الشفوية تردد استقبال كتاب كارسون آخر ، المجلد الأول لها إيروس حلو ومر (1986). وفقًا لـ John D & rsquoAgata في استعراض بوسطن ، أذهل الكتاب & ldquofirst مجتمع الكلاسيكيات باعتباره عملًا من أعمال المنحة اليونانية ، ثم أذهل المجتمع الواقعي باعتباره عودة ملهمة إلى المقالات المبنية على أساس الغنائي التي أنتجها سينيكا ومونتين وإيمرسون ، وبعد ذلك ، وبعد ذلك فقط ، في عمق التسعينيات ، أعيد إصدارها. كما & ldquoliterature وإعادة تصميمها لجمهور جديد تمامًا ، أذهلت الشعراء أخيرًا. & rdquo D & rsquoAgata ترى أن كارسون و rsquos تعمل سابقًا ككاتبة مقالات في كل مكان في شعرها ، جنبًا إلى جنب مع استيعابها العميق للغات الكلاسيكية. كارسون ورسكووس ، يزعم D & rsquoAgata ، أنه يطلب من المرء أن يفكر في قصيدة ما ، هل يمكن أن تكون القصيدة مبتذلة أو بلاغية أو جدلية قبل أن تصبح شيئًا آخر تمامًا ، قبل أن تعود إلى النثر ، إلى مقال؟ & rdquo

الرجال في غير أوقات الدوام ، كتاب من القصائد القصيرة يتضمن & ldquoepitaphs ، قصائد الحب ، مقالات الشعر ، النثر التذكاري ، & lsquoshooting scripts & rsquo للدراما والقصائد التلفزيونية المزعومة الموجهة إلى اللوحات ، & rdquo لاحظ الناشرون أسبوعيا قوبل الكاتب ستيفن بيرت بإشادة كبيرة. مراجعة المجموعة لـ صالون، وصفتها كيت موسى بأنها تأمل في الوقت المحدد ، مشيرةً أيضًا إلى أنها & ldquo ؛ تمد كل تلك النزهة التي ينتشرها الوقت وراءها: الحياة والجنس والحب والموت. & rdquo وقد مُنحت جائزة Griffin Poetry وكان أحد المرشحين النهائيين للحاكم العام & rsquos الجائزة الأدبية وجائزة دائرة نقاد الكتاب الوطنية. في عام 2001 نشرت كارسون أيضا جمال الزوج: مقال خيالي في 29 Tangos ، رواية شعرية موضوعها & ldquo ؛ ضلال الشهوة وسخط القلب كما يظهر من خلال الانفصال الزوجي ، & rdquo كما كتب دافني ميركين. كما نالت ثناءً عالياً وحصلت على جائزة T.S. جائزة إليوت. في عام 2000 ، تم منح كارسون مؤسسة ماك آرثر ومنحة ldquogenius & rdquo

منذ نجاحها في عام 2001 ، واصلت كارسون نشر مجلداً من & ldquopoetry والمقالات والأوبرا ، & rdquo الهزال (2005). يتألف الكتاب من كلمات قصيرة ، وسيناريو ، وخطابة ، وأقسام نثرية طويلة تجمع بين النقد الأدبي والبحث الفلسفي ، ويتخذ الكتاب عنوانًا ودافعًا لفكرة الفيلسوف سيمون ويل. كما يشرح كارسون ، فإن مفهوم Weil & rsquos عن & ldquodecreation & rdquo هو & ldquoan تراجع عن المخلوق فينا و mdasht ذلك المخلوق المحاط بذاته والمُحدد من قبل الذات. & rdquo كما أشار Deryn Rees-Jones في مستقل، & ldquo in decreating we، in our extinction of self، the self، get the metaphysical fullness، in the universe. & rdquo الهزال حظيت بإشادة عالية من جميع الجهات ، وقامت فيونا سامبسون بمراجعة الكتاب لـ وصي يزعم أنه & ldquo يوضح أحد أكثر الذكاءات خصوصية في العمل في الأدب المعاصر ، وعلى الرغم من محتوياته المنحنية النوع فهو & ldquomost of all & hellipinimitation. & rdquo

لا يزال كارسون مترجمًا مهمًا ومثيرًا للكتاب الكلاسيكيين. دروس الحزن: أربع مسرحيات لـ Euripides (2006) و أن Oresteia (2009) أثار كلاهما نقاشًا نقديًا. كاتب مسرحي صادم في عصره ، وصل يوريبيدس إلى أعلى شهرته خلال الحرب البيلوبونيسية. دروس الحزن يقدم أربعة من مآسيه الأقل شهرة ويقدم نوعًا من الكتاب التمهيدي حول الأخطار الجوهرية للإخلاص الأعمى للأيديولوجيا ، & rdquo كتب هيلتون آلس في نيويوركر. أ الناشر و rsquos ويكلي وجد المراجع أن & ldquoCarson ليس أقل من لامع و mdashun حاد بشكل متغير في الإملاء ، جريء وحكيم في أخذ الحريات. & rdquo كارسون و rsquos الترجمة التالية ، An Oresteia ، هو مركب من المسرحيات التي تتناول مصير منزل أتريس وتشمل أجاممنون بواسطة Aeshcylusإليكترا بواسطة سوفوكليس و أوريستيس بواسطة Euripides. تلقى المجلد مراجعات مختلطة إلى حد ما لتلك الحريات فقط براد ليثاوسر في مراجعة كتاب نيويورك تايمز وجدت Carson & rsquos اختيارًا غير منتظم للإملاء وغالبًا ما يكون معاصرًا بشكل متناقض و & ldquofailed في العثور على ترجمات كارسون و rsquos & hellipin شعورًا بالكلية المركبة. هناك لحظات عندما ينحسر أسلوبها في الكلام لدرجة أنني كنت أجد صعوبة في تذكر أنني كنت أتعامل مع رجال يشبهون الآلهة في روعتهم. & rdquo إميلي ويلسون ، في أمة، وجدت أنه على الرغم من أن كارسون ، بصفتها باحثة ، تدرك تمامًا الاختلافات بين التراجيديين الثلاثة ، إلا أنها لم تنجح تمامًا في جعلها تبدو مختلفة بشكل صحيح عن بعضها البعض ، وعلى الرغم من أن ويلسون وصفت ترجمة كارسون ورسكووس بأنها & ldquomovement & hellipaway من الإيديولوجية الواضحة لـ Aeschylus & rsquo أوريستيا نحو عالم أكثر تعقيدًا وغموضًا من Euripides & rsquo أوريستيس، مما يجعل العمل أكثر أهمية ووثيقة الصلة بالمناخ السياسي الحالي. & ldquo

في حديثها إلى الشاعرة الناقدة ستيفاني بيرت ، اعترفت كارسون بأنها في جوهرها تعتبر نفسها فنانة بصرية وليست لفظية: & ldquo لم أكتب كثيرًا على الإطلاق حتى أعتقد أنني في العشرينات من عمري لأنني رسمت. لقد رسمت صوراً ، وأحياناً كنت أكتب عليها عندما كنت صغيراً ، لكن في الغالب كنت مهتمة بالرسم. لم أفكر أبدًا في نفسي ككاتب! & rdquo حتى بعد عدة مجلدات مشهود لها ، & ldquoI & rsquot لا أعرف أنني أفعل ذلك بعد. أعلم أنني يجب أن أصنع الأشياء. وهو شكل مناسب لدينا في ثقافتنا ، الكتاب ، حيث يمكنك صنع الأشياء ، ولكنه يصبح أقل إرضاءً. ولم أشعر أبدًا أنه يستنفد أي فكرة لدي. & rdquo


مروار آرت: من مهراجا و # 038 منمنمات

مروار هي أرض صحراوية جافة على حافة صحراء ثار وتستمد اسمها حتى من التضاريس القاسية والحياة الصعبة في المنطقة. جاء راثوريس من ماروار ، المعروفين بشجاعتهم وشجاعتهم ، إلى ماروار من كانوج ، حيث كانوا يسيطرون في وقت سابق على شرق ووسط الهند.

لقد رسخوا جذورهم في Marwar في القرن الثالث عشر ، وجعلوا بالي وماندور عاصمتهم. في عام 1459 ، أسس راو جودا ، أحد حكام راثور ، مدينة جودبور بالقرب من ماندور ، وأقام أحفاده العديد من الممالك الأصغر بالقرب من عاصمة ماروار جودبور.

يعتبر فن راجاستان غزير الإنتاج ومتنوعًا ، والطريقة التي تطور بها تعتمد إلى حد كبير على رعاية حكام العديد من الممالك والدول التي سكنت المنطقة. بناءً على الجغرافيا ، يتم تصنيفها إلى أربع فئات عامة - Mewar و Marwar و Haroti و Dhundar.

هنا ، سوف نستكشف مجموعة Marwar الفرعية لفن راجاستان ، والتي تتضمن منمنمات جودبور وناغور وبيكانير وكيشانجاره وسيروهي. كانت اللوحات الأولى من هذه المنطقة مصورة رغمله مجموعة رسمت في بالي من قبل فيرجي. هذه اللوحات هي في لغة شعبية خالصة ، قبل ظهور العناصر المغولية.

جودبور وأمبير ناجور

كانت جودبور المقر الرئيسي لماروار راثوريس ، موطن حصنهم الرئيسي مهرانجاره ومحاكمهم. كان Jodhpur Maharajas رعاة مهمين للفن ونجد أعمالًا فنية مهمة من مشاغلهم على مدار 600 سنة غريبة حكموا فيها منطقة Marwar. كانت محكمة جودبور واحدة من أكثر المحاكم إنتاجًا في إنشاء المنمنمات.

جاءت أول فترة إنتاجية حقيقية لمنمنمات جودبور في عهد مهراجا جاسوانت سينغ في منتصف القرن السابع عشر. في فترات سابقة ، كانت منمنمات جودبور أكثر أصالة بكثير ولكن بحلول وقته كانت العديد من الاتفاقيات المغولية قد تسربت ، وكان جاسوانت سينغ قد أمضى وقتًا طويلاً في كابول لإضفاء لمسة فارسية على فن ماروار. كما قام برعاية عدد من الفنانين في بلاطه ، مما نتج عنه أيضًا العديد من صور المهراجا.

خلفه ، أجيت سينغ ، نشأ على يد فير دورغاداس ، الذي استولى على جزء من ماروار من المغول لصالح أجيت سينغ. تم الاحتفال بهذه الأحداث في اللوحات والقصائد. كانت صور الفروسية هي المفضلة في المحكمة.

أُعطي بخات سينغ ، ابن أجيت سينغ ، ناجور في أوائل القرن الثامن عشر ، وخلال فترة وجوده ، ظهر الرسم في ماروار وطور تعابيره الخاصة.

إلى جانب مشاهد المحكمة ، تم عرض المهرجانات والأساطير والحكايات والنصوص الدينية والملاحم في بلاط مروار والعديد من هذه الألبومات والورق معروضة في المتاحف في جميع أنحاء العالم.

تأسست بيكانير عام 1489 على يد بيكا راثور ، نجل راو جودا ، الذي أسس جودبور. كان حكام بيكانير قريبين من المغول منذ زمن أكبر ويتمتعون بمناصب عالية في بلاطه.

The patronage of art in Bikaner started with Raja Rai Singh in 1573 and further expanded under Raja Karan Singh and his son Maharaja Anup Singh, from 1631.

Under Karan Singh, Ali Raza, who had migrated from the Mughal court, created some exceptional paintings, mixing the local Bikaner style with Mughal idioms and thus creating a new approach.

Anup Singh stayed in Hyderabad for a substantial period of time after the siege of Golconda in 1687. During this time, he established a library in Bikaner, which became a repository of medieval manuscripts and paintings. During this period, his chief painter was Ruknuddin, who mixed indigenous Rajasthani styles with Deccani and Mughal conventions. He painted many significant texts like the رامايانا, Rasikapriya و Durga Sapt Sati.

Besides Ali Raza and Ruknuddin, Ustad Nuruddin, Murad, Ustad Abdulla Qayamji, Shah Muhammed, Ustad Hasim and Bahaudin were patronised by the Bikaner court. Mostly Muslim, these artists painted Hindu themes exceptionally well. Bikaner’s miniatures, with their softness, delicate lines, subdued colour palate, exceptional composition and stylistic sophistication, is very close to Mughal art.

The small state of Kishangarh is primarily known for its miniatures, arguably some of the best known and aesthetically gratifying ones from Rajasthan. The state of Kishangarh was founded by Kishan Singh, son of the Maharaja of Jodhpur, in 1609. The Kishangarh school of art primarily evolved during the reign of Raj Singh and his son Sawant Singh, at the end of the 17th century. Both were talented artists and writers, and their atelier was home to artists like Bhawani Das, Surat Ram and Nihal Chand.

During Sawant Singh’s time, the art of Kishangarh reached great heights of aesthetic refinement. The artist Nihalchand, who was active during their rule, painted some of the most exquisite and noted paintings of the Kishangarh School.

The rulers of this kingdom were devotees of Krishna, with Raj Singh being a follower of Vallabhacharya Pushtimarg. Krishna lila and texts associated with Krishna like Gita-Govinda were thus a major part of Kishangarh art. One finds many regular themes in Kishangarh art, like the depiction of classic medieval texts, durbar scenes, festivities and religious epics.

One theme which sets Kishangarh apart is the depiction of Bani-Thani, an attendant of Raj Singh’s wife who caught Sawant Singh’s fancy and became his companion. He wrote about her in the poem Bihari Jas Chandrika, which became the basis of Nihal Chand’s famous painting. Sawant Singh and Bani Thani were depicted in many of the Krishna lila miniatures as Radha and Krishna. It is these paintings that make Kishangarh art incomparable.

Miniatures from Kishangarh are known for the blend of poetry and art, exceptional compositions, brilliant colour schemes, dynamic lines, panoramic landscapes and individualistic faces with pointed noses and chins, deeply curved eyes, and serpentine locks of hair, which became the ideal for all Rajasthani miniatures subsequently, especially for women.

Sirohi was a small kingdom near the present-day Rajasthan-Gujarat border. The state was founded by Runmal of the Deora clan in 1347. It maintained a degree of independence from both the Mughals and the Marathas for much of its existence it was also once a centre of Jainism. This is why one can see great similarities between miniatures from Sirohi and that of Gujarat.

The rulers of Sirohi were able administrators along with being patrons of art. Sirohi was known for the manufacture of double-edged swords from the mid-15th century till the mid-20th century. In the art of Sirohi, one finds little representation of the rulers and their lives.

Miniatures from Sirohi reflect two major themes. One of these themes is the representation of Jain themes like the depiction of Tirthankaras, illustrations of Jain texts and other such artworks done under Jain patronage. The Gurosan community was devoted to this and were known for their illustrations of Jain texts, which were mostly done under the supervision of Jain monks.

Another major theme in miniatures from Sirohi is illustrations of relatively non-religious texts and legends like the Ragamala, Baramasa, Nayika-bhed, Krishna-lila as well as legends like Laila-Majnu and Rukmini-harana.

The figures in Sirohi paintings tend to have flat features, round features and heavy bodies. The paintings use basic colours, the structures are usually flat and nature is neither too vibrant nor too formal. Many of the paintings have a distinctive red border.

The art of Marwar is full of details, references, allusions influences and history, and one can easily loose oneself in its diversity.


Painted Fragment of a Theban Woman - History

Images and Art

  • Abu Simbel
  • Abydos
  • أسوان
  • القاهرة
  • Dendera
  • Edfu
  • Giza
  • Kom Ombo
  • الأقصر
  • Saqqara
  • The West Bank/Luxor
  • مقدمة
  • The New Egyptian Section
  • The Old Kingdom
  • The Middle Kingdom
  • The New Kingdom
  • Late and Ptolemaic-Roman Period
  • The Horemheb Reliefs
  • The Amulets
  • The Bronze Statuettes
  • The Funerary Objects
  • كتابة
  • The Ushabti
  • The Virtual reconstruction of the Horemheb Tomb in Memphis
  • Funerary Stela
  • Relief from the Tomb of Mentuemhat
  • Reconstructed Predynastic Burial
  • Predynastic Jar
  • Model of a Butcher Shop
  • Book of the Dead
  • سرير
  • Mud Brick Stamped with Cartouche of Ramses II
  • Statue of the God Horus
  • Trial Piece
  • Bust of a Man
  • بوتر
  • Colossal Statue of Tutankhamun
  • Mummy Mask
  • Coffin of Ipi-Ha-Ishutef
  • Butcher Slaughtering a Calf
  • The Mummy and Coffin of Meresamun
  • The Pyramids: Design and Construction
  • The Temple of Deir el Bahari (XVIII Dyn)
  • Abu Simbel - Nubia
  • The Alabaster Sphinx - Saqqara
  • Beit al-Wali - Nubia
  • Caesareum - Alexandria
  • The Catacombs of Kom es-Shouqafa - Alexandria
  • The Causeway - Saqqara
  • The Colossi of Memnon - Luxor
  • The Colossus of Ramesses - Saqqara
  • Crocodilopolis - Fayoum
  • Dionysias - Fayoum
  • The Early Kingdom Mastabas - Saqqara
  • Edfu - Nubia
  • Elephantine Island - Aswan
  • The Enclosure Wall - Saqqara
  • Geziret Fara'un - Sinai
  • The Great Pyramid of Cheops - Giza
  • The Great Sphinx - Giza
  • Kalabsha Temple - Nubia
  • Karanis - Fayoum
  • Karnak - Luxor
  • Kiosk of Qertassi - Nubia
  • The Maidum Pyramid - Dhashur
  • The Oracle of Amun - Siwa
  • The Palace of Amenhotep - Luxor
  • The Persian Shafts - Saqqara
  • Philae (Now on Agilika Island) - Nubia
  • The Pyramid Complex of Djoser - Saqqara
  • The Pyramid Complex of Menkaure - Giza
  • Pyramid of Amenemhat III (the Labyrinth) - Fayoum
  • The Pyramid of Chephren - Giza
  • The Pyramid of Meidum - Meidum
  • The Pyramid of Sekhemkhet - Saqqara
  • The Pyramid of Teti - Saqqara
  • The Pyramid of Unas - Saqqara
  • The Pyramids of Abu Sir - Abu Sir
  • The Pyramids of Dhashur - Dhashur
  • The Ramesseum - Luxor
  • The Serapeum - Saqqara
  • South Saqqara - Saqqara
  • The Step Pyramid of Djoser - Saqqara
  • Sun Temple of Abu Ghurab - Saqqara
  • Temple Dedicated to Sobek - Fayoum
  • The Temple of Abydos - Abydos
  • Temple of Deir el Bahari - Luxor
  • The Temple of Dendera - Dendera
  • Temple of Dush - Kharga
  • Temple of Hibis - Kharga
  • The Temple of Luxor - Luxor
  • Temple of Ramesses III - Luxor
  • The Temple of Taposiris Magna - Alexandria
  • Three Minor Pyramids - Giza
  • The Tomb of Ankh-mahor - Saqqara
  • The Tomb of Kagemni - Saqqara
  • The Tomb of Mereruka - Saqqara
  • The Tomb of Princess Idut - Saqqara
  • The Tomb of Ptah-hotep - Saqqara
  • The Tomb of Queen Nebet - Saqqara
  • The Tomb of Ti - Saqqara
  • The Tombs of the Nobles - Aswan
  • The Tombs of the Nobles - Luxor
  • Unfinished Obelisk - Aswan
  • The Valley of the Kings - Luxor

Tomb of the Sons of Ramses II (recently discovered in the Valley of the Kings)
More on the Tomb of the Sons of Ramses II (no images)
The Window of Appearance: The Temple Palace of Rameses III at Medinet Habu 1175 BC, with a Quicktime movie of the The Rising of Rameses III ("Symbolism in Architecture", Mohammed Motlib)
Centre for Computer-Aided Egyptological Research (CCER), with two Quicktime VR objects, one of a statue of the goddess Selket from the Tomb of Tutankhamun and the other of a statue of the royal scribe Nebmertouef
Summaries of notable Egyptian Gods (Shawn C. Knight)


Important Art by Jenny Saville

Branded (1992)

In this monumental nude self-portrait ample breasts and dimpled folds of flesh loom large on the canvas. Viewed from below, the weighty figure dominates the frame. On the fleshy torso, Saville has inscribed the words of French feminist theorist Luce Irigaray: "delicate," "supportive," "irrational," "decorative," and "petite," all written backwards. Using this as a means of countering preconceived notions about the representation of women, Saville has literally branded these words on the painted flesh. Characteristic of the artist's early work with the female nude, ذات العلامات التجارية presents a direct and unidealized image of the female body.

Regarding this early work, Saville has said: "I'm not painting disgusting, big women. I'm painting women who've been made to think they're big and disgusting." In this and other early paintings, Saville subverts traditional notions of female beauty and femininity that have long dominated Western art. في حالة ذات العلامات التجارية this challenging of convention takes place through the artist's use of her own body. Art Historian Marsha Meskimmon has argued that "Saville's work interrogates our perception of the female body in challenging ways. To use the self in this way is to come full circle in the questioning of fixed identity and the body." An important early work, ذات العلامات التجارية was included in Saville's acclaimed 1992 Glasgow School of Art graduation exhibition, which propelled her to fame as one of the Young British Artists. ذات العلامات التجارية is often cited as a painting which made figurative painting popular in contemporary art. The work challenges the typical female nude (which is small, delicate, and 'beautiful') by making a huge painting with thick paint, which looks down on the viewer and flows out of the edges of the picture plane.

Plan (1993)

Saville's striking self-portrait, يخطط, makes use of extreme foreshortening to present an uncompromising image of the female nude. Working from photographs rather than life, she presents a snapshot, a fleeting glimpse of a figure that struggles to be contained within the frame. The brushwork is both delicate and aggressive, often building up thick impasto on the painting's surface. She is nonetheless able to capture every vein, every dimple, every splotchy bit of flesh, and every strand of hair. Looking directly at the viewer over the marked terrain of her body, Saville calls our attention to complicated issues surrounding women's bodies, plastic surgery, and the "cult of exercise." The lines drawn on the flesh resemble the lines on a topographical map. They also reference the lines drawn by plastic surgeons on the skin of their patients in preparation for body altering surgeries. Saville has said: "The lines on her body are the marks they make before you have liposuction done to you. They draw these things that look like targets. I like this idea of mapping the body, not necessarily areas to be cut away, but like geographical contours on a map. I didn't draw on to the body. I wanted the idea of cutting into the paint. Like you would cut into the body. It evokes the idea of surgery. It has lots of connotations." Regarding these inscribed lines, some scholars have suggested: "In this mapping of the body as an area of problematic terrain a relationship is set up between perceptions of the natural and the planned. The question of who is exercising control over this 'plan' remains troubling and implicates the viewer of the image."

يخطط was painted in 1993 and later exhibited by Charles Saatchi in Young British Artists III at the Saatchi Gallery in 1994. It was also included several years later in Sensation, the groundbreaking and controversial 1997 exhibition of Young British Artists at the Royal Academy of Art. An important early work by Saville, يخطط is emblematic of her concern for depicting women as subjects rather than objects and is another painting in which the artist is both the subject and the painter, something that had previously been almost unheard of, especially in paintings of nudes. In her attempt to draw on the history of the female nude, while also showing women as they see themselves, Saville has given her figures a weighty presence that combines empathy, apprehension, vulnerability, and awe.

Passage (2004-05)

في Passage, a striking, confident nude woman is shown in a near recumbent position with outstretched legs that extend out beyond the picture frame. Thickly painted, though seemingly unfinished, Passage continues Saville's interest in sensuously painted, fleshy bodies that defy traditional representations of the reclining nude. The flesh is depicted with powerful and aggressive, though sumptuously handled brushwork that reveals the influence of a painter like Willem de Kooning, who was similarly drawn to representations of the body and flesh. The figure, a transgender woman with a 'natural' penis and surgically enhanced breasts, reclines provocatively, looking seductively at the viewer. في Passage, the position of the figure and the handling of the brushwork direct our gaze from the legs over the torso and breasts, to the head, creating a landscape of the body, a sort of "gender landscape," to use Saville's terminology.

Passage was painted when Saville was living and working in Palermo, Sicily. During this time, she began photographing transvestites and transgender people in Rome, which she then used as source material. Saville was interested in these bodies as hybrids that are both natural and artificial. Although Passage was painted from photographs, it is not a portrait in the traditional sense. She has said that she tried "to find bodies that manifest in their flesh something of our contemporary age. I'm drawn to bodies that emanate a sort of state of in-betweeness: a hermaphrodite, a transvestite, a carcass, a half-alive/half-dead head." At a time when LGBTQIA issues are coming to the fore, Passage reveals the body as a social construct and sympathetically represents an untypical, transgender woman's body. The figure floats, according to Linda Nochlin, in "that postmodern realm of gender nirvana, brilliantly theorized by Judith Butler as a zone of shifting sexual identities and the rejection of essential difference between male and female."


شاهد الفيديو: طيبة تحاول تنتحر بعد صدمة العمر والقدر ينقذها (أغسطس 2022).